Имя этого человека у многих ассоциируется с уличной культурой, ведь Дмитрий Оскес – это знаменитый граффити-райтер и основатель главной выставки уличного искусства в Москве FACES&LACES. Главным делом в творческой жизни Дмитрия сейчас является популяризация уличного искусства. Художник старается показать людям красоту и оригинальность граффити, представляет работы современных художников и знакомит зрителей с выдающимися мэтрами искусства XXI века.
Разумеется, при такой жизненной позиции Дмитрий просто не мог не принять участие в образовательном проекте GTOUR, о котором мы писали ранее.
Помимо организации различных мероприятий и проведения интересных лекций, Дмитрий Оскес является очень неординарной творческой личностью со смелым взглядом на жизнь. Об уличном искусстве, любви к Японии и о закулисной жизни F&L с художником поговорила специальный корреспондент Artifex Алина Кроткая.
Artifex: Чем для вас интересно участие в проекте GTOUR, помимо какой-то материальной стороны? Почему вы считаете этот проект важным?
Как ни странно, в подобных проектах материальная сторона меня абсолютно не интересует. Все свои собственные проекты, масштабные или камерные, галерейные, я делаю с концепцией SHARE – стараюсь всегда безвозмездно делиться своим опытом, а также способствовать тому, чтобы распространение профильной информации было абсолютно свободным. Поэтому, например, вход на выставочный проект (и теперь уже оупен-эйр городского масштаба) FACES&LACES и смежные проекты всегда безвозмездный.
Платформа выставки FACES&LACES создавалась как раз для того, чтобы объединённые одними интересами участники, партнёры и аудитория делились своими взглядами и профессиональным опытом с окружающими. Casio G-SHOCK и, в частности, проект GTOUR полностью разделяют эту философию.
Такая же миссия и у GTOUR, которая направлена как раз не на столицу, а на регионы, где есть интерес у молодой аудитории расширять свой кругозор, создавать качественные проекты своими руками и развивать локальную сцену. Проект GTOUR, его участники, организаторы, как и я лично, видим огромный потенциал у региональных активистов. Я достаточно консервативен и не рад тому факту, что виртуальное общение так сильно стало вытеснять живое. Очень ценю, что имею возможность пообщаться с аудиторией вживую и напрямую могу донести профессиональную и уникальную информацию, которой нет в сети, лично.
Artifex: Какие наиболее яркие моменты вам запомнились из участия в предыдущем GTOUR?
В рамках GTOUR в прошлом году я посетил два города – Нижний Новгород и Казань. Самые яркие моменты, которые являются моими впечатлениями, – это возможность взглянуть на внутреннюю, скрытую жизнь города с помощью локалов. Так что не только аудитория, но и мы, участники, также узнаём что-то новое, лучше понимаем местную природу вещей и менталитет. Очень приятно осознавать, что субкультурная сцена не деградирует, а развивается в разных направлениях, не теряя своей харизмы, – от музыки и кастом-культуры до уличной моды и татуировки. В целом видно, что у аудитории есть искреннее любопытство.
Безусловно, один из самых ярких моментов – это работа с остальными приглашёнными лекторами-участниками GTOUR в команде. В рамках поездок складывается не только общение, но и профессиональный обмен мнениями, что, на мой взгляд, очень важно.
Artifex: Можете ли вы вспомнить свои первые часы Casio G-SHOCK? Вы их купили сами, или это был подарок? Почему вам хотелось иметь тогда именно эти часы?
Мои отношения с Casio G-SHOCK начались в 1997–1998 годах, когда Москва переживала закат рейв-революции. Всю свою сознательную жизнь я интересовался музыкой и жил ею, а именно в этот период я пытался заниматься организацией музыкальных событий, направленных на поддержку независимой сцены электронной музыки в ночных клубах Москвы. Например, так же, как и сноуборд в то время, Casio G-SHOCK были заветной и практически недосягаемой мечтой каждого, кто имел отношение к уличной культуре. Помню, как на меня производила впечатление реклама G-SHOCK в журнале «ПТЮЧ», а старый магазин в ГУМе манил своим разнообразием. Все правильные ребята «в теме», которых я встречал в своих поездках за рубежом в то время, также выбирали G-SHOCK. Для молодых людей тогда часы были намного больше, чем часы, но также, как и сейчас, они были неотъемлемой частью образа прогрессивного, активного и модного молодого человека.
Первые часы я купил на свои собственно заработанные деньги в 1998 году, это была модель (если не изменяет память) Casio Illuminator 87-H. Это были недорогие, но очень практичные часы. Конечно же, очень радовала подсветка экрана зелёного цвета на всё поле, она для меня символизировала технический прогресс того времени. Для меня это была экзотика, так как это были первые мои часы с подобной функцией. Чуть позже в мою жизнь пришли более мощные и разные Casio G-SHOCK, которые я носил и ношу до сих пор. Особенно мне нравились часы, адаптированные под экстримальные природные условия или для сёрфинга, с мощным двойным канвасовым ремешком на пряжке, которая напоминала военную деталь. Чуть позже, в начале нулевых, я обнаружил, что G-SHOCK обращают внимание на тех же уличных художников, которые интересны и мне. То же самое касается и культовых брендов одежды, и различных сообществ. Очень приятно осознавать, что G-SHOCK – единомышленники. Стараюсь приобретать все подобные совместные релизы.
Artifex: Я заметила, что вы любите японские вещи: у вас с собой японские капли для глаз, японский набор отвёрток, японские журналы и, конечно, японские часы. Откуда такое увлечение Японией?
Абсолютно верно, я очень люблю Японию и, наверное, не хватит никакого времени объяснить почему – причин очень и очень много. В первую очередь, Япония – это вдохновение и гармония. Если говорить коротко и банально, то это сами люди, искусство, культура, еда, природа и отношение японцев к ней, к традициям и своей истории, дотошность и глубина подхода к любому делу. За таким вдохновением я стараюсь ездить хотя бы раз в год.
Если говорить про индустрию, в которой я работаю, большого внимания заслуживает японское ремесло, в котором главная технология – непосредственная работа руками по традициям, которые не меняются веками. Для меня слова «качество» и «Япония» – синонимы. В любом направлении, о котором бы мы ни говорили, японцы взяли лучшее из окружающего мира, изучили, адаптировали под себя и создали нечто превосходно новое. Япония – одна из стран, где я могу получить самые передовые и новые полезные мне знания в разных областях. Япония – вне тенденций, Япония – сама по себе тенденция, а также самая передовая культурная вселенная.
Для меня также очень важно, как японцы работают с информацией и каталогизируют все данные, делая информацию доступной каждому и разбивая всё по мельчайшим темам. Это можно наблюдать в музеях, галереях, выставках разного профиля и формата, а также в журналах, книгах, различных изданиях.
Artifex: В одном из интервью вы сказали, что главная цель F&L — образовывать людей и рассказывать им истории. Оглядываясь назад, можете ли вы сказать, что достигли этой цели, и люди стали более образованными в сфере искусства? Какие истории вы любите рассказывать людям?
Очень сложный вопрос. Да, как я уже говорил ранее, образование нашей аудитории – одна из ключевых задач. Во всех наших проектах мы стараемся сами (и подводим к этому участников) рассказывать не только про вещи, которые нас окружают, но и про их природу, суть, положение в современном мире, историю их создания, их влияние на субкультуры и окружающую среду. Особенно важную роль занимает мультидисциплинарность – мне очень интересен феномен взаимодействия и пересечения разных направлений в прошлом и настоящем: спорта, искусства, музыки, моды. Поэтому один из моих проектов, поп-ап галерея «СИНТЕЗ И ИНТЕГРАЦИЯ», называется именно так. Все хедлайнеры, которые пересекаются на этой платформе, экспериментируют и применяют свой опыт в разных визуальных дисциплинах, жанрах и форматах, связанных с городской культурой. Как правило, все участники «СИНТЕЗА И ИНТЕГРАЦИИ» – это известные и добившиеся мирового успеха в своей категории творческие единицы, которые с малой вероятностью пересекутся в одном проекте когда-либо ещё. Это абсолютно разные художники, которые работают в разнородных, порой противоположных друг другу направлениях, и соблюдают при этом во всей своей активности правильный баланс. К слову, именно с такими художниками, дизайнерами и сотрудничает Casio G-SHOCK, а многих мы совместно представили впервые в Москве.
Финальный продукт такой категории художников может жить как на улице – в городской среде, так и в галерее, и в рамках коллаборации с брендом, но при этом сохранять субкультурную основу и не отходить от своей идеологии. Для всех наших выставочных проектов практически всегда мы подбираем раритетные материалы, уникальные артефакты, которые вживую можно увидеть только у нас. Художники обязательно создают работы специально для наших экспозиций. На мой взгляд, очень важно увидеть хоть раз в жизни оригинальный продукт, а не репродукцию. Например, сольная выставка легендарного художника и пионера абстракционизма в граффити – Футуры (2014 год, Москва) – состояла полностью из работ, созданных специально для Москвы. Через эту выставку и непосредственное личное общение с художником многие впервые узнали о многих уникальных фактах из истории современной поп-культуры – о первой волне граффити Нью-Йорка и его жизни 70-х, о сотрудничестве художника с The Clash и U.N.K.L.E. Или, например, – Эрик Хейз, американский поп-арт художник, графический дизайнер, пионер граффити и один из самых главных активистов мировой уличной культуры, при поддержке Casio G-SHOCK посетил FACES&LACES и создал здесь серию работ (включая логотип выставки). Многие именно у нас узнали, что Хейз одним из первых в 1985 году вместе с Китом Харингом стал объединять графический дизайн с поп-арт экспериментами и граффити эстетикой.
Но если говорить про образование, то это касается не только выставок с художественным контентом. Например, одна из основных ДНК FACES&LACES – кроссовки. Мы с самой первой выставки исследуем, насколько важным элементом самоидентификации для любого субкультурного сообщества играет спортивная обувь. Хороший пример выставочного проекта в этой категории состоялся в прошлом году – AIR MAX DAY 2015, международный день культовой беговой технологии Nike и легендарного силуэта, который вошёл в нашу повседневную жизнь. Мы представили огромную коллекцию самих кроссовок, подробную историю модели, её эволюцию, уникальную подборку графики, фотографии, винтажные рекламные принты, примеры удачного сотрудничества художников с брендом. Во все дни выставки функционировала экскурсионная часть, в рамках которой от истинных фанатов индустрии кроссовок можно было узнать массу интересных фактов и технологических нюансов. Даже мировые аналоги привести в пример здесь очень сложно.
А сейчас я вижу спад интереса ко многим вещам, которые были популярны несколько лет назад. Перенасыщение рынка, интернет поспособствовали развитию у молодых поколений лени. Все думают образами, картинками, но не стремятся читать текст, это стало слишком тяжело. Процессы вокруг нас цикличны, поэтому я надеюсь, что ситуация ещё изменится. В целом, я могу сказать, что мы приложили очень много усилий для развития сцены уличной культуры в России. Поэтому, безусловно, наши проекты за 10 лет помогли аудитории расширить свой кругозор. Это касается и искусства, и мира моды, и культуры в целом.
Artifex: В чём, на ваш взгляд, главная разница между российским и зарубежным уличным искусством? А между столичным и региональным?
Если говорить кратко, то главная разница между уличным искусством в России и за рубежом заключается в том, что наши художники пока не научились думать глобально, но при этом последовали многим западным тенденциям, утратив свою локальную идею. Собственно, даже этой идеи нет, и сформулировать её пока никто внятно не может. Мы пока не умеем представить на международном уровне себя и качественный продукт, который бы полностью при этом имел локальную концепцию. В уличном искусстве я вижу огромный спад. Всех интересных мне художников я могу перечислить по пальцам, в основном это те, кто был также активен 10–15 лет назад. Проблем очень много: неосведомлённость и поверхностность медиа, отсутствие арт-дирекции и образованных кураторов, которые бы глубоко изучали ситуацию у нас, повсеместные клише, эксплуатация уличного искусства сомнительными организациями, в том числе политическими, которых больше, чем самих уличных художников.
Проблема с самими художниками заключается в том, что многие из них, находясь под впечатлением от успеха западных коллег, сиюминутно ждут к себе внимания от различных профессиональных институций, фондов, галерей, коллекционеров. Это в корне неправильный подход. Мне кажется, надо максимально и искренне сосредоточиться на своём деле, и тогда, рано или поздно, внимание придёт. А пока лично я ощущаю очень много фальши в работах наших уличных художников, а также наблюдаю очень низкую активность именно на улицах. При этом я не считаю, что данная ситуация – это очень плохо. Это всего лишь часть эволюции.
Что касается ситуации в столицах и регионах, то, на мой взгляд, в регионах ситуация намного интереснее и позитивнее. Художники менее избалованы, более любопытны и более активны. В каждом регионе, в каждом большом городе есть своя частная ситуация, которая требует дополнительного анализа, но я думаю, что у них огромное будущее. В определённой степени GTOUR мне тоже даёт возможность провести такие мини-исследования в тех городах, в которых я не был.
Artifex: Помимо курирования F&L, вы еще являетесь талантливым художником. Расскажите о своей последней работе (хотя бы о черновом наброске в блокноте, если сейчас нет времени на что-то более масштабное).
Спасибо большое за тёплые слова, но, к сожалению, художественную карьеру пришлось заморозить (но не исключить из своей жизни навсегда). Лично мне в Москве достаточно тяжело совмещать чистое творчество и менеджмент, приходится выбирать что-то одно. Но я не исключаю, что рано или поздно я вернусь исключительно к какой-то активности на улице, а также к студийным экспериментам, рисованию и скульптуре. Пока я реализовываю себя творчески и нахожу удовлетворение через собственные галерейные и некоммерческие проекты.
Что касается творчества в данный момент, то уличное искусство и граффити для меня остаются одними из самых интересных вселенных. В основе граффити лежат буквы, своё собственное имя, и, не имея возможности что-то делать на улице, я каждый день практикую написание алфавита и своего имени от руки, развиваю свой собственный стиль и работаю над формой, структурой букв. Планирую более интенсивную активность на будущую весну, в том числе и в партнёрстве с моим другом, художником KOBR (OCCULTRA) из Санкт-Петербурга.
Artifex: Также однажды вы сказали, что самый приятный момент в работе — попадать в мастерские художников. Чья мастерская впечатлила вас при подготовке к F&L-2015?
Абсолютно верно. В 2015 году состоялась вторая выставка «СИНТЕЗ И ИНТЕГРАЦИЯ», многие художники работали непосредственно в галерее, которая стала на время подготовки выставки полноценной мастерской. Я и представить не мог, что своими глазами увижу, как, например, в рамках моего собственного проекта работает Марк Гонзалес, легенда и пионер скейтбординга, а также известнейший художник современности.
Перед выставкой FACES&LACES в июле 2015 года в рамках другого проекта я попал в мастерскую/студию к авторитетному японскому художнику, ювелиру и татуировщику – Хидео Учияме, основателю бренда MAGICAL DESIGN (Токио, Япония). В качестве основного сюжета для своих работ художник использует образ человеческого черепа и исследует вечные вопросы жизни, смерти, души. Поразила его огромная коллекция черепов (в том числе настоящих) и различных артефактов, связанных с миром мото-кастом-культуры.
Artifex: Я знаю, что у F&L есть свой необычный талисман – Змея Зина. Она по-прежнему живёт в вашем офисе, и сотрудники до сих пор спорят, кто будет её кормить? :)
В конце лета 2015 года наша студия переехала на новое место, и во время переезда я забрал Зину к себе домой. Так она теперь у меня и живёт, под моим присмотром. Поэтому кормить её приходится только мне, вопрос решился автоматически. :) Тем не менее Зина – всё равно некий талисман FACES&LACES. В этом году выставка празднует свой десятилетний юбилей, мы начинали в 2006 году. Для первой выставки был создан постер, на котором очень лаконично и образно присутствует сюжет: змея обвивает силуэт кроссовка Nike Air Force 1. Кто знал, что это изображение будет таким пророческим? Сейчас мы работаем в индустрии спортивных и околоспортивных брендов, и у нас есть змея.
Artifex: Что способно поднять вам настроение, когда грустно?
Очень трогательный вопрос, потому что по жизни я страдаю излишней меланхолией. Я люблю грусть, это естественная эмоция, но она даёт мне пищу для мозга и открывает много возможностей посмотреть на привычные вещи с нового ракурса.
Поднять настроение мне могут свежайшие сашими из тунца и лосося. Конечно же, любимая работа, мой коллектив и друзья, путешествия, творчество. Особенно поднимает настроение, когда друзья добиваются успехов, и, наконец, приходят к результатам, к которым шли очень долгое время. Это вдохновляет. Очень круто осознавать, что окружен таким количеством талантов, это очень серьёзно стимулирует, заставляет также не стоять на одном месте, двигаться к реализации собственной мечты. В том числе поднимают настроение и подобные интервью, так как приходится думать и анализировать ситуацию вокруг себя, тут явно нет места и времени для грусти.
Artifex: Дмитрий, интервью с вами тоже очень подняло нам настроение и заставило искренне улыбаться. Спасибо огромное за уделенное время и такие интересные развёрнутые ответы. Редакция альманаха Artifex желает вам творческого развития и огромных успехов в вашем деле!