Загадочная личность Винсента ван Гога интересует общество уже не первый десяток лет. Зрителю интересно посмотреть на прекрасные картины известного художника, искусствоведы и биографы поднимают переписку и дневники Винсента, а кинематографисты шагнули еще дальше. Они создали первый в мире нарисованный масляными красками полнометражный фильм «С любовью, Винсент!», который уже получил многочисленные награды, в том числе и главный приз за лучший анимационный фильм Шанхайского Международного кинофестиваля. А во Франции после показа на крупнейшем фестивале Анимационного кино Аннеси зрительские овации не стихали в течение 15 минут. Картина была удостоена главного Зрительского приза.
Екатерина и Татьяна Очередько – художницы из Украины, которые были в числе тех, кто рисовал нашумевший фильм. Специально для Artifex сестры рассказали о том, с чего начиналась работа над масштабным проектом, и раскрыли некоторые секреты самого Винсента ван Гога.
Artifex: Давайте начнем с вопроса о том, как вы попали на этот проект? Это, наверное, самое любопытное, потому что фильм имеет такой резонанс в мире…
Катя: В 2015 году Таня нашла на Facebook видеообращение к украинским художникам от Шона Боббитта и Петра Доминяка. Приглашались художники-живописцы, которые чувствуют стиль ван Гога и могли бы работать так, как это делал Винсент. Мы решили попробовать. Отправили свои портфолио и выполнили дополнительное задание – портреты в стиле нуар и в манере работ самого ван Гога. А на стажировке нас научили основам анимации и владению программой, в которой делался фильм.
Artifex: Каким был процесс рисования фильма?
Катя: Нам давали фотофрейм – стопкадр с отснятого ранее материала – мы его копировали и анимировали этот кадр. Наша украинская группа в среднем делала примерно до трех с половиной кадров за восемь часов. Это очень быстро. Но это были простые сцены. А когда начались более сложные…
Таня: Например, кадры в движении. Здесь нормой были полтора-два кадра в день. Но спустя какое-то время художник мог выйти на другую скорость.
Катя: После четырех месяцев работы художник выходил на суточную норму. Она ставилась для того, чтобы знать, когда можно закончить фильм. Были определенные сроки, и нужно было прорабатывать суточную норму так, чтобы соблюсти дедлайн. У каждого художника был свой уровень, и в соответствии с ним прикреплялась норма. Нам с Таней удавалось делать примерно пять кадров в сутки. Мы могли выполнить за один день норму двух суток.
Таня: Некоторые кадры делались за 15 минут, а на другие уходило до четырех часов. А я даже входила в десятку самых быстрых художников студии!
Artifex: Мы уже частично начали говорить о том, что в фильме сочетаются классическое искусство и современная анимация. Сложно было добиться такого синтеза?
Катя: Трудно было адаптировать художественное видение к возможностям анимации. Однажды мы сделали два крутых keyframe – ключевые кадры. Но анимировать их в скорости, необходимой для фильма, было невозможно. Для этого есть ограниченная палитра цветов и ограниченное количество мазков. Ведь после тебя работает команда. Им тоже надо чувствовать твой стиль.
Artifex: Как складывалась работа команды художников? Наверное, очень сложно добиться, чтобы сотня людей работала как единый механизм…
Катя: Наши супервайзеры работали непосредственно с художниками. Например, над одним куском работала команда из шести человек. И нужно было наладить связь между всеми художниками, чтобы они держали идентичными цвет и стиль. А художники выдерживали одинаковыми не только первый и последний кадр, а 720 своих и по столько же кадров оставшихся пятерых коллег. Для человека, привыкшего работать самостоятельно, это сверхзадача.
Таня: Кроме того, у каждого художника выявлялся свой стиль, несмотря на то, что мы ориентировались на ван Гога. Свой характер нужно было немножечко придавливать. Как-то один большой кусок разделили между нами и еще двумя художниками. Когда мы его закончили и показали, то даже не было видно, что над ним работали четыре человека. Настолько плавно вписывался цвет и совпадала стилистика.
Катя: На каком-то этапе было много ошибок, потому что мы сидели в своих paws – рабочих местах аниматоров. А когда мы вышли и начали общаться, этих ошибок стало в разы меньше.
Artifex: Были случаи, что материал отбраковывали?
Катя: Были такие моменты. У Тани за 10 месяцев, что мы работали, отбраковали всего три кадра. Это одна картина. Каждый день мы сдавали работу, и до утра Дорота Кобиэла – это режиссер фильма – должна была посмотреть все и сказать, принимает она их или нет.
Artifex: Она это смотрела в анимационной программе?
Катя: Ей нужно было видеть, как играет картинка. Нарисованный кадр фотографировался на камеру, это заносилось в программу, а дальше ты снова рисуешь и снова фотографируешь. Дорота смотрела уже сфотографированный момент. Тем более мы смотрели цвет не в оригинале, а на кадре. И нужно было уследить, чтобы этот цвет был такой же, как у твоего коллеги. А потом нас сформировали в определенные группы. Мы с Таней входили в команду Арманда (прим. ред.: Арманд Рулле, главный герой фильма, в исполнении Дугласа Бута). Я - лучший художник Тёрнера. Самые удачные кадры – мои! (смеется).
Таня: Еще я рисовала Боутмана (прим.ред.: лодочник, персонаж фильма в исполнении Эйдана Тёрнера). Мне дали сделать большой кусок. Его было очень сложно рисовать из-за его мимики. Когда ты просто смотришь на актера, эту мимику не замечаешь. Но когда ты его рисуешь, понимаешь, что он не стоит на одном месте.
Катя: Его «колбасит» как тузик грелку! Ко мне потом подходили и просили передать Тане восхищение за Боутмана. Наши супервайзеры, чтобы держать всех в тонусе, сначала никому ничего не говорили, но потом рассказывали, что её Боутмана привозили в Грецию. Там смотрели, как Таня его рисовала.
Artifex: С какими еще трудностями вы столкнулись в процессе работы над фильмом?
Катя: Работать сразу быстро и качественно. И адаптировать анимацию к стилю ван Гога. К тому же его работы, на которые опирались художники, были написаны в разное время, и его стилистика постоянно менялась. А тебе нужно все это соединить для целостности фильма. Это тоже сложная задача.
Таня: Нужно было уследить за тем, чтобы рисунок не выходил слишком реалистичным. У меня такое было. Говорили: «Молодец! Делаешь красиво! А теперь упрощай!» (смеется). Все в студии знают, что ты можешь сделать хорошо, но после тебя так же никто не будет делать.
Artifex: А какая была основная задача? Или она менялась?
Катя: Опираться на работы ван Гога и сохранить стиль фильма. Мы-то не смотрим только картины Винсента. Нам важен конечный результат – фильм.
Artifex: Получается, у ленты есть собственный стиль, но в технике ван Гога?
Таня: Добавилось чуть больше рисунка, но цвет взят четко из работ ван Гога. Ты делаешь так, чтобы актера в нарисованном варианте можно было узнать.
Artifex: Кстати, с актерами, которых вы рисовали, удалось пообщаться? Как они оценивали работу?
Таня: К нам в студию приходил Дуглас Бут, который сыграл Арманда Рулле. Я однажды сижу, рисую, а потом чувствую, что сзади кто-то на меня смотрит. А это был Дуглас! Ему тоже было интересно зайти в студию, где повсюду он.
Катя: Когда он зашел ко мне, я ему так и сказала: «Вы знаете, мы с вами вместе уже семь месяцев». Он посмотрел на меня и не понял. А я говорю: «Я вас рисую семь месяцев каждый день!» (смеется).
Artifex: И все-таки расскажите нам, как рисовать так же, как это делал Винсент ван Гог?
Катя: Наверное, мы не рисовали так, как это делал он. Нашей задачей было прочувствовать готовое видение, которое сформировал ван Гог. Наша современная академическая база давала возможность аналитического видения рисунка. Мы просто пытались уловить то хорошее, что он оставил нам. Этот фильм – своеобразная возможность поблагодарить ван Гога за его открытия и пользоваться ими.
Artifex: И вытекающий вопрос: какие секреты техники Винсента ван Гога вы открыли для себя?
Катя: Работа с цветом. Ван Гог прекрасный «цветовед». Иногда не понятно даже, как он делал желтый. Сидишь два дня и подобрать его не можешь. Почему? Потому что у Винсента было отношение к цвету.
Таня: Самое удивительное, что у него нет такого понятия как просто выдавить из тюбика краски, взять кисточку и порисовать. У него всегда были мешанные цвета, несмотря на то, что это яркие сочетания.
Катя: Очень часто у современных художников бывает так: они придумали свои сочетания и в течение длительного времени пользуются только ими. Потом смотришь на их работы, а они все одинаковые. Особенно хорошо это видно на плэнерах. Ван Гог научил – разное время суток, разные контрасты, разные мотивы, разная гамма, разные состояния и разные эмоции через цвет. По-моему, с проекта все ушли прекрасными цветовиками.
Artifex: Раз мы заговорили о цвете. В фильме есть несколько черно-белых сцен. Так называемые флешбеки. Вы, как художники, можете рассказать об особенностях создания цветных и черно-белых кадров?
Таня: В черно-белом варианте надо держать тон и рисунок, а в цветном ты должен держать и тон, и рисунок, и цвет. С первого по последний кадр ничего не должно меняться.
Катя: Для работы использовались специальные лаки, замедляющие высыхание. И волей-неволей цвет бэкграунда попадал на фигуру, которая писалась в движении. И получалось так, что цвета смешивались. Поэтому супервайзеры всегда следили за тем, чтобы получившийся цвет был одинаковым в течение всей работы.
Artifex: После работы над этим проектом можно сказать, что вы закончили еще одну художественную школу?
Катя: Как минимум, отделение живописи. Когда рисуешь в академе, то выбираешь один самый выразительный ракурс. А в анимации приходится рисовать все ракурсы и учитывать нюансы рисунка. Что такое живопись со слов Третьякова? Это нужный цвет в нужном месте нужного размера. В анимации у тебя есть мазок нужного цвета в нужном месте нужного размера. Делать по пять полноценных портретов в день в течение 10 месяцев – великолепная практика для художника.
Таня: Кроме того, ты не просто рисуешь, а ищешь характер. Зритель ведь не смотрит на то, как это было снято. Они смотрят на то, что натворили художники.
Катя: Это большая ответственность – сохранить игру актера, не исказить, а усилить ее, передать настроение ван Гога и настроение самого фильма. А делает это все такой маленький художник в такой маленькой коробочке. Или 115 маленьких художников в большой студии.
Artifex: Как вы оцениваете свою работу? Можно ли назвать этот фильм новым вкладом в искусство?
Катя: Очень приятно, что этот проект соединил классическое искусство с современными технологиями создания фильмов. В полном метре - это первый уникальный фильм. Я считаю, что это сочетание на грани видов искусств: живописи и кино. Это большой этап для кинематографа и для каждого художника, который там работал. Нельзя сказать, что после проекта ты вышел чистенький, как стеклышко. Проект меняет видение. Это была работа с 19 национальными школами. Их влияние сказывается на всем фильме и на тебе лично. Это колоссальный профессиональный рост. Так везет очень редко.
Artifex: Не секрет, что фильм не только претендует, но уже и получает высокие награды. На ваш взгляд, как нарисованная масляными красками лента сумела произвести такое впечатление?
Катя: В этом фильме использовалось большое количество работ ван Гога. Это интересно не только художнику, но и простому человеку. Ты не всегда можешь посетить все музеи, чтобы посмотреть абсолютно все картины Винсента. А здесь у тебя появляется уникальная возможность увидеть всё. В этом большая ценность фильма.
Artifex: На ваш взгляд, будет ли успех у проката этого фильма?
Катя: Вся студия надеется на успех. Мы шутили, что если фильм получит «Оскар», то нам пришлют маленьких «оскарочков» (смеется). Поэтому мы ждем!
Таня: Всегда есть надежда на самое лучшее и на то, что такое искусство будет интересно людям, потому что оно «вытаскивает» их из монотонной жизни.
Artifex: И в заключении: почему нужно пойти на этот фильм?
Катя: Потому что над ним работали мы (смеется). На самом деле, это очень красивый и уникальный hand-made. Фильм и жизнь ван Гога учат зрителей не сдаваться и идти к своей мечте, преодолевая все преграды.
Таня: Фильм учит быть искренним с самим собой. Ведь мечты сбываются, если каждый день идти к ним навстречу.