Религиозные сюжеты доминировали во всех регионах эпохи Возрождения. Обусловлено это было реформацией, сложным экономическим положением, трудностями обычных граждан (чума, бедность, инквизиция). Все это привело к тому, что люди чувствовали особое душевное стремление обратиться к Богу. В частности, культ Девы Марии был одним из наиболее распространенных и динамичных во времена позднего средневековья. Её отношения с Богом и Сыном привлекали все большее внимание и в период Возрождения. Особенно часто изображали сцену Марии с Младенцем. И в этой статье я хотела бы проанализировать картины «Мадонна Литта» Леонардо да Винчи и «Мадонна Лукка» Яна ван Эйка.
При анализе работ в первую очередь я отмечу периоды творчества каждого художника, поскольку они предопределяют стилистику и композицию картин. Леонардо да Винчи принадлежал к итальянскому Возрождению (фундаментом которого являлась античность), а Ян ван Эйк стоял у истоков северного Возрождения (представляет собой сплав итальянских влияний с готической культурой средневековья).
Знаменитая «Мадонна Лукка» Яна ван Эйка изображает Деву Марию, сидящую на троне и кормящую Иисуса. Картина была частью коллекции Карла II, герцога Пармы и Лукки, от названия этого города и произошло название картины.
Говоря о цвете, отмечу, что Ян ван Эйк совершенно иначе работает со своей палитрой. Если предыдущие художники обычно использовали только один цвет для тонов кожи, то на его Мадонне мы видим сложные тона и до девяти разных оттенков. Будучи одним из первых художников, кто использовал масляную живопись, ван Эйк разработал методы остекления, благодаря которым на картине уже было больше света и глубины, нежели у предшественников. Отсюда светоносность Мадонны Лукки и столь яркие драгоценности и украшения в одеянии Марии.
Мастера северного Возрождения стремились к детализации картин, к кропотливой работе. Если Леонардо да Винчи использует в своём полотне пространственное отображение Марии и младенца, то ван Эйк добивается этого с помощью деталей и интерьера. Мастер изображает Марию глубоко сосредоточенной, величественной, показывает внутренний мир своей героини: в этом было новаторство художника.
Мадонна показана в алом плаще сидящей на троне, украшенном фигурками львов, что символизирует мудрость. Роскошные одеяния типичны для северного ренессанса, но совсем не типичны для традиционного изображения Марии из Библии. И это тоже новое слово ван Эйка. Настолько реально передан свет каждого украшения и драгоценного камня Мадонны, что мы — зрители — видим сияние каждого из них.
Кроме того, платье Мадонны уравновешивает композицию, создавая форму треугольника. Использованная линейная перспектива стен и ковра позволяет нам сосредоточиться на Марии и Её Младенце, ощутить себя в одной комнате с ними. Расположение трона, алтаря и ковра, а также источника света из окна, увлекает наш взгляд к центру, где сидит Мадонна.
Художник был знаменит тем, что использовал иконографию в фоновых элементах, и эта картина не исключение: абрикосы на подоконнике (как символ первородного греха), трон — символическое напоминание о царе Соломоне, таз и кувшины с водой как символ чистоты Богоматери.
Эпоху Высокого Возрождения, продлившуюся менее полувека, называют периодом расцвета итальянской культуры. В списке её титанов и безусловных гениев имя Леонардо да Винчи на первом месте. «Мадонна Литта», завершенная художником в 1491 году, — одно из лучших творений миланского периода, воплощение величия, гармонии и красоты «Золотого века». Имя Литта она получила по имени миланских герцогов Литта, из собрания которых картина была приобретена. Композиция лаконична, Мария и Иисус — единственные объекты, на их лицах и эмоциях сконцентрировано внимание зрителя. В этом особенность итальянского Возрождения — акцентированность картины. Пространство комнаты вмещает только самое важное — бытовой и при этом глубоко эмоциональный сюжет — как любящая мать держит своё дитя у груди.
Дева Мария проста, красива и нежным взглядом смотрит на Иисуса. Младенец поразительно похож на мать. Наклон головы Мадонны типичен для Леонардо и сравним с Мадонной ван Эйка. И здесь я отмечу важную особенность двух картин — отсутствие нимба. Да, картины имеют религиозный подтекст, но это не иконы, полотна прежде всего светского направления.
Интересна деталь — щеглёнок в руке младенца, символизирующий будущую жертву Христа. У Яна ван Эйка ребенок держит в руке абрикос, указывающий на «нового Адама», который возьмет на себя все грехи мира. Фигуры на картине установлены в темном интерьере с двумя арочными окнами, что является типичным стилем Леонардо. Кроме того, мастер использует перспективу (мы видим пейзаж, придающий картине глубину и таинственность, и напоминающий о гармонии и грандиозности мироздания).
Кстати, пейзаж как самостоятельный жанр появился именно во времена мастеров Северного Возрождения, а его основоположником был Иоахим Патинир.
Впрочем, в одном эти две великие картины едины. Перед нами ускользающая гармония таинственного момента. Это неуловимое чувство материнской нежности и любви; перед нами само время, пойманное в золотую клетку искусства.