В конце апреля в Брюсселе состоялась 37-я ярмарка искусства Art Brussels 2019. Уже более пятидесяти лет экспоненты не перестают удивлять коллекционеров, критиков и любителей прекрасного избранными произведениями последних лет. О том, чем запомнилась Арт Брюссель, вы узнаете в нашей обзорной статье.
Стенды участников были распределены по категориям: DISCOVERY, PRIME и REDISCOVERY. В рамках первого блока сосредоточились наиболее свежие работы молодых и начинающих художников, созданные не раньше 2016 года. Произведения же признанных авторов — от модернизма до контемпорари — можно было увидеть во второй секции. Особый интерес для исследователей представляет третья категория, в которой было выставлено искусство XX века, считающееся недооцененным или вовсе забытым, однако получившее шанс на воскрешение.
Помимо трех основных секций, в этом году организаторы также представили новый раздел INVITED, в который вошли молодые галереи и арт-пространства, ранее не принимавшие участие в ярмарках, а также SOLO — для индивидуальных художественных проектов.
За три дня экспозиции нам удалось посетить десятки стендов из каждой секции, посмотреть сотни невообразимых визуальных решений, выполненных в разных медиумах, и погрузиться в пучину многочисленных концепций — от актуальных и социально-политических до совершенно дерзких и безумных. О проектах, которые мы просто не могли оставить без внимания, читайте далее в подробном обзоре.
Обзор секции DISCOVERY начнем с лондонской галереи The Ryder Projects, представившей проект испанского художника Хайме Питарха под названием «Object/Subject/Abject». Инсталляция состоит из четырех старых деревянных стульев, найденных на улицах Барселоны. Дизайн каждого стула уникален и отсылает к конкретному периоду в истории. Главное, что их объединяет, — тонкие «костлявые» ножки. Художник постепенно обтачивал каждую из них таким образом, чтобы оставить минимум, не позволяющий стулу упасть. Оставшиеся стружку и опилки он насыпал на поверхность сиденья каждого стула, таким образом повлияв на их физические свойства: масса осталась неизменной, а вес увеличился, что сделало стулья едва устойчивыми. Объект выбран не случайно. По мнению Питарха, некоторые предметы способны отражать различные состояния человека за счет своих антропоморфных качеств: сомнение, неуверенность, истощение, приводящие к потере равновесия. Стул здесь также является архетипом — и речь идет не только об известной инсталляции Джозефа Кошута «Один и три стула» (1965) — его облик и исключительно утилитарная функция практически не менялись на протяжении веков, а поэтому нет ничего удивительного в том, чтобы обнаружить их разбросанными по всему городу. Таково воплощение нашей одноразовой культуры.
Еще одна галерея из Лондона «Copperfield» представила на своем стенде произведения ирано-американского художника Шапура Пуяна и фото-скульптора Даррена Харви-Регана. Работы Пуяна, выполненные в традиционной технике на старинной бумаге, описывают различные сюжеты из персидской истории и мифологии, которые изображены на фоне красочных пейзажей местных ландшафтов. К примеру, «Рустам, сражающийся с драконом» («Rustam Slaying the Dragon», 2018) или «Кай Хусрав готовится к обезглавливанию Афразияба» («Kay Khusraw prepares to behead Afrasiyab», 2019). Все миниатюры сопровождаются текстами на фарси. И хотя работа Пуяна, на первый взгляд, сфокусирована на культурном наследии конкретного народа, её концепция более глобальна: художник исследует роль культуры в поддержке власти.
Харви-Реган предложил для экспонирования свои хлебные скульптуры из серии «The Accidents», отсылающие к периоду иконоборчества в христианстве. Фигуры, грубо исполненные и едва различимые в груде хлебных руин, напоминают иконы, буквально облеченные в тело Христово. Несмотря на разные медиумы произведения обоих художников смотрятся очень органично в одном пространстве.
Сложно было упустить из виду стенд, внутри алых стен которого расположился многочастный соло-проект Барборы Клейнхампловой. Чешскую художницу на ярмарке представляла галерея Lucie Drdova. В целом, работы Клейнхампловой направлены на изучение особенностей поведения различных социальных групп в рамках современных политико-экономических структур, именно поэтому художница нередко прибегает к перформативным практикам. В частности её интересуют такие состояния человека, как тревога и последующие за ней явные физиологические реакции организма, например,
тошнота, которые автор переосмысляет и преподносит в метафорическом ключе. Так, в экспозицию Art Brussels вошли фильм «Тошнота» (ориг. «Sickness»), скульптурные объекты и различные находки, а также диаграммы, на которых художница обращается к болезни неолиберализма — через метафору путешествия. Ее художественная аутопсия «мечты среднего класса, превратившейся в кошмар», является головокружительным исследованием, в котором зрителям предлагается рассмотреть свою потенциальную тошноту как часть чего-то большего.
Переместимся в секцию PRIME. Здесь, за зеленой металлической шторкой, напоминающей непроглядные кроны деревьев или же стену дождя в тропических лесах Южной Америки, расположилась инсталляция Даниэля Стигмана Мангране, представленного галереей Mendes Wood DM. В своих работах каталонский художник ставит вопрос о границах между природой и искусством. Размещая скульптурные работы, полученные из природных материалов, вместе с фотографическими работами, изображающими сочную растительность тропического леса, художник стирает различие между органическими и геометрическими формами, витальным и абстрактным, предлагая нам взглянуть на мир с точки зрения единства и гармонии, отбросив бинарное разделение.
Без внимания мы никак не могли оставить стенд московской галереи Pop/off/art, на котором был представлен персональный проект латвийского художника Андриса Эглитиса из двух серий произведений «RNP2VS» и «Reflections (The Illuminated and the Enlightened)». Художник воссоздал уменьшенную копию своей мастерской, располагавшейся на территории бывшего заводского цеха. Он превратил ее в интерактивную инсталляцию, внутрь которой зритель мог зайти и увидеть экспозицию из картин небольшого формата, подобную той, что была представлена на Рижской биеннале (RIBOCA): в прошлом году мастерская Эглитиса стала одним из мест её проведения. Помимо работ, созданных художником для биеннале, были представлены и совершенно новые крупные живописные холсты, сделанные специально для Art Brussels. Концепция экспозиции может быть прочитана через множество аллюзий, так или иначе связанных с идеей света: это и знаменитая аллегория пещеры Платона, и новозаветный Фаворский свет. Эглитис стремится с разных сторон рассмотреть такое удивительное явление, как свет, и переосмыслить его роль не только в истории культуры, но и в языке. Само слово «reflection» в названии — как рефлексия, так и отражение — открывает возможности более широкого прочтения экспозиции и заложенных в нее смыслов. И однако, сам художник аккуратен в трактовках, цитируя эссе Сьюзан Сонтаг «Против интерпретации»: «Отныне и до конца сознательной жизни, мы застряли с задачей защиты искусства» (ориг. «From now to the end of consciousness, we are stuck with the task of defending art»).
Не менее интересные проекты в рамках двух секций PRIME и SOLO представила и брюссельская галерея Harlan Levey Projects. На стенде первой из них экспонировались самые разные работы пяти художников: от красочных абстрактных полотен Андреа Эва Гьори до строгих геометрических рисунков Амели Бувье, от экспрессивных глитчевых работ Марсена Дудека до гармоничных скульптур Хазеба Ахмеда. Особое внимание хотелось бы уделить «Коктейльным картинам» TR Ericsson из серии «Crackle & Drag». Работы буквально представляют из себя смесь самых неожиданных ингредиентов: порошкообразных пигментов краски и полимерной смолы в сочетании с алкогольными коктейлями, временем, изображениями мест, людей, их удач и несчастий. На соседнем стенде расположился сольный проект «VideoSculpture XX (The World’s 6th Sense)» бельгийского художника Эммануэля Ван дер Ауверы. В названии содержится отсылка к понятию «шестого чувства», которым некоторые считают термографию. В расставленных по темной комнате штативах закреплены тепловые снимки, некогда сделанные для того, чтобы продемонстрировать военным подрядчикам возможности новейших технологий. На фотографиях запечатлены призрачные кадры Лаг-Вегас Стрип, снятые на отдалении снайперского прицела. Бесцветные, почти мертвые кадры становятся видимыми благодаря белым экранам, расположенным по периметру. Таким образом Ван дер Аувера воссоздает миниатюрный паноптикум.
Мексиканская галерея Proyectos Monclova также расположилась на двух соседних стендах. В рамках секции PRIME были представлены произведения пяти художников, а в категории SOLO — индивидуальный проект «Спасибо всем, что пришли» (ориг. «Thank you all for coming») словенского художника Иштвана Ишта Хузяна. В своей монохромной экспозиции, состоящей из 93 фотографий с изображением рукопожатия, художник иронизирует над многовековой традицией, со временем утратившей свое первоначальное значение. Так, Хузян ставит под сомнение искренность и «чистоту» помыслов тех, кто закрепляет рукопожатием сказанное.
Из экспонентов основного booth’a хотелось бы особенно выделить работу Йошуа Окона под названием «Консервированный смех» (ориг. «Canned Laughter»), созданную художником во время пребывания в мексиканском городке Сьюдад-Хуарес, известным своими макиладорами (разновидность сборочного производства), очень скрытными в плане внутреннего устройства. Инсталляция, состоящая из видео, фотографий и аудио-банок — это реконструкция одной из таких макиладор, вымышленной фабрики «Bergson», производящей смех для ситкомов. Для достижения большей правдоподобности были наняты бывшие работники макиладор, рассказывавшие о происходившем на рабочих местах. «Консервированный смех» — аллюзия на механизированные процессы и рабство в эпоху глобализации, а также утверждение невозможности передавать и воспроизводить истинные эмоции с помощью технических средств.
Также среди участников Art Brussels 2019 были и государственные учреждения, например, Федерация Валлония-Брюссель (ориг. Fédération Wallonie-Bruxelles). В рамках стенда институция представила кураторский проект Николя де Рибу «Что выходит наружу, то и внутри» (ориг. «What Comes Out is What’s Inside»), созданный бельгийской художницей Люси Ланцини. Инсталляция состоит из множества причудливых скульптур, различных по форме и материалу, но похожих с точки зрения «дао» и пространств, в которых им суждено было возникнуть и остаться. Дорога, пройденная ими от студии художницы до ярмарочного стенда, может завершиться домом коллекционера, а возможно, продолжится дальше. В любом случае, какое бы место ни заняли эти предметы на своем пути, оно будет отмечено следом их присутствия. Художница предлагает всмотреться в формы, предметы и инструменты, которые она ежедневно использует в мастерской для создания своих работ — все они способны вызывать и аккумулировать воспоминания. Зрителю также предоставляется возможность совершить путешествие по миру её скульптур, опираясь на хрупкие стеклянные перила, смысл которых, бесспорно, парадоксален.
Авторы статьи: Алина Петруханова и Александра Берзэ